Une didascalie, au théâtre, est une indication formulée par l’auteur de la pièce à l’intention des acteurs et du metteur en scène.
Cette consigne participe donc grandement à la mise en scène de la pièce et au jeu des acteurs.
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La comédie romantique n’appartient pas à l’univers du théâtre, mais à celui du cinéma.
Il s’agit d’un film sentimental, à l’intrigue peu complexe et au dénouement heureux.
Puisqu’elle est comédie, sa trame narrative allie généralement humour et émotions, à travers des personnages drôles et émouvants, en proie à des sentiments ambivalents ou des situations rocambolesques.
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Dans Gargantua, l’une des œuvres les plus connues de François Rabelais, l’auteur apostrophe le lecteur dès les premières lignes.
Le texte commence en effet par deux paragraphes intitulés Le prologue de l’auteur, dans lesquels Rabelais s’adresse directement au lecteur pour solliciter sa bienveillance.
Ce prologue littéraire, et non théâtral, est avant tout un moyen pour Rabelais d’éviter la censure. En rappelant le caractère comique de son œuvre, il s’en distancie et, par le fait même, se déresponsabilise des réactions qu’elle peut engendrer.
Si ce prologue laisse supposer une attitude conciliante envers les autorités religieuses, son ambiguïté mène à diverses interprétations.
L’auteur y dissimule surtout une habile critique du contrôle ecclésiastique de l’époque tout en prônant l’humanisme, l’épanouissement de l’être humain par la littérature et la science.
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Le prologue théâtral est une scène qui a lieu avant le premier acte et qui situe les personnages et l’action.
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Présentée à Broadway en 1996, Les monologues du vagin (The Vagina Monologues) est une pièce de théâtre écrite par la dramaturge américaine Eve Ensler.
Le succès de la pièce est tel qu’elle est traduite dans des dizaines de langues et jouée dans plus de cent pays.
Militante féministe, l’auteure tient à ce que sa pièce le reste dans le fond et la forme : les comédiennes reprenant le rôle principal doivent le faire bénévolement et les recettes doivent être reversées à des associations luttant contre les violences faites aux femmes.
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Dans le film Astérix Mission Cléopâtre, le personnage d’Otis, joué par Édouard Baer, interprète un scribe. Interrogé sur sa situation professionnelle, Otis se lance dans une explication qui n’a ni queue ni tête.
Au cinéma comme au théâtre, les monologues sont scriptés. Si la réplique d’Otis est devenue culte, c’est parce qu’elle est au contraire entièrement improvisée.
Connu pour sa verve, Édouard Baer improvise une suite de phrases liées entre elles par un sens immédiat, mais qui se révèle très vite sans rapport avec le sujet initial.
Ce cadavre exquis, solitaire et public, participe évidemment au comique de situation et au ton du film. Les comédiens, en gardant leur sérieux, offrent aux réalisateurs un moment d’anthologie qui sera conservé au montage. Un montage qui n’a d’ailleurs pas dû être chose facile : certains prétendent que le monologue original aurait duré plus de 16 minutes…
Des années après la sortie du film, le « monologue » d’Édouard Baer reste une référence dans la culture populaire. Pour preuve, certains sportifs, dont Martin Fourcade, n’hésitent pas à le reprendre en direct au micro des journalistes !
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Au théâtre, une péripétie est un évènement imprévu ou un revirement soudain dans l’intrigue d’une pièce.
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« Il n’y a plus de honte maintenant à cela, l’hypocrisie est un vice à la mode, et tous les vices à la mode passent pour vertus. Le personnage d’homme de bien est le meilleur de tous les personnages qu’on puisse jouer aujourd’hui, et la profession d’hypocrite a de merveilleux avantages, […] »
(Molière, Dom Juan, 1683, Acte V, Scène 2)
Cette réplique, prononcée par Don Juan à l’intention de son valet Sganarelle, est l’une des plus célèbres du théâtre français.
Elle démontre toute la fourberie du personnage de Don Juan, qui ne cherche pas à dissimuler sa malhonnêteté. C’est là toute la finesse du portrait dressé par Molière : une sournoiserie assumée qui, comparée à l’hypocrisie des hommes, passe pour de l’honnêteté.
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William Shakespeare et ses contemporains sont les dramaturges les plus influents du théâtre élisabéthain, nommé ainsi en l’honneur de la reine Elisabeth Ier, fervente mécène de l’art théâtral de l’époque.
Dans une société s’émancipant de ses mythes religieux, la tragédie Macbeth (1606) mêle forces surnaturelles et vices, éminemment naturels, de la condition humaine.
Immensément populaire, cette pièce de Shakespeare met en scène des ambitions dévorantes et des culpabilités inconscientes sur fond de sorcellerie, de tyrannie et de corruption.
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Au théâtre, la tragédie est une pièce dont la trame narrative fait référence à un mythe : les personnages, souvent héroïques, voire surhumains, sont confrontés à des situations exceptionnelles, à la limite du plausible.
Ces situations évoquent certains aspects de la réalité et reproduisent symboliquement les conflits intérieurs des êtres humains. Le bien et le mal, l’honneur et la honte, le vice et la vertu sont autant de sujets abordés dans le but de provoquer chez le spectateur une réflexion morale.
L’issue d’une pièce tragique, généralement fatale pour le héros, suscite des sentiments de pitié, de peur ou de colère et favorise l’identification du spectateur au personnage. Les conséquences des actions de ce dernier servent alors de boussole morale au spectateur.
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Apparue au XVe siècle, la moralité est une courte pièce, écrite en vers et à visée didactique.
Souvent allégoriques, les personnages des moralités se veulent une représentation du bien et du mal, des vertus et des vices, de la piété et du péché.
Chaque moralité offre un enseignement, une leçon de morale destinée à servir de modèle de comportement social exemplaire.
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Apparue au XVe siècle, la sottie, aussi écrit sotie, est une farce médiévale, axée sur le « sot », un personnage nigaud et un peu benêt, ancêtre du clown.
Loin d’être tendres, les sotties se caractérisent par une lecture satirique de la société. Mettant en scène des acteurs déguisés en bouffons, elles dépeignent des personnages fictifs, mais suffisamment réels, pour mettre au jour les travers perfides de la société de l’époque.
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Au théâtre, un quiproquo est un malentendu entre des personnages. Il se traduit généralement par une certaine confusion autour de l’identité d’un ou de plusieurs personnages.
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Le théâtre, qualifié de genre littéraire, est la représentation, par des acteurs, d’une pièce écrite par un dramaturge.
Le théâtre est également le lieu où se donne cette représentation.
Mais le théâtre est surtout un art, celui du spectacle et de la performance, du corps et de ses représentations (ombres, marionnettes), du rire (comédie) et des larmes (tragédies), du chant (opéra) et de la parole, voire de son absence (mime).
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Au théâtre, une stichomythie est une brève réplique qui dynamise l’échange.
Puisqu’elle est généralement suivie par d’autres stichomythies, le rythme du dialogue en est modifié : les répliques fusent et deviennent ripostes ou réparties selon le registre dramatique ou comique de la scène.
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Au théâtre, le monologue est un discours scénique prononcé par un personnage seul sur scène. Ce dernier peut s’adresser à lui-même ou à une tierce personne.
Le soliloque est davantage une réflexion intime formulée par un personnage pour lui-même, à sa propre intention. Il est volontairement introspectif et donne accès aux émotions les plus profondes.
De par sa nature intimiste, le soliloque est souvent considéré comme un type particulier de monologue, qualifié de monologue intérieur.
Au théâtre, le soliloque est un discours qui n’est pas prononcé à l’intention du public ou à celle des autres personnages.
Sa fonction intimiste et réflexive le distingue du monologue et de l’aparté, en lui conférant une certaine intimité, généralement absente des discours scéniques adressés à un tiers.
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En anglais, le terme mise en abyme se dit… mise en abyme ! En effet, le procédé théâtral fait partie de ces quelques emprunts au français, importés sans transformation dans le lexique anglais.
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Au théâtre, la mise en abyme est une reproduction de l’intrigue d’une pièce dans d’une version réduite et enchâssée au sein de cette même pièce.
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Dans le domaine de l’audiovisuel, et particulièrement celui du sous-titrage, une voix en aparté est une indication apparaissant sur l’écran, qui décrit un procédé narratif particulier : la voix off.
Dans un film, un personnage qu’on entend, mais qu’on ne voit pas, est qualifié de hors champ. Les termes voix off, voix en aparté ou voix hors champ sont tous trois synonymes.
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Au théâtre, un aparté est un énoncé que l’auteur se dit pour lui-même, mais à l’intention du public.
Un dialogue peut aussi s’échanger en aparté. S’il est toujours destiné au public, il se joue entre deux protagonistes, au détriment des autres personnages présents sur scène.
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Un quiproquo repose sur un malentendu entre des personnages. Généralement, l’identité de ces derniers est au cœur du quiproquo et de la confusion qu’il engendre.
Ainsi, un personnage qui se méprend sur l’identité d’un autre est un excellent moyen d’apporter un élément comique à l’intrigue. Un nom ou un surnom épicène (Camille, Sam, Sacha, etc.) peut donner lieu à des situations drôles et cocasses.
Mais le quiproquo peut aussi résulter de la polysémie des mots ou expressions, de leurs différents sens. Si le personnage de Sacha fait de la musique, ce même personnage peut être un homme ou une femme dans un conservatoire, une église ou un festival électronique.
Le quiproquo et son pouvoir de confusion présentent un grand intérêt narratif à condition que le public ne soit pas lui-même dupe de la situation : il doit être au fait du malentendu.
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